学钢琴需要天赋吗？
学习任何东西，都不需要天赋，只需要坚持。学钢琴，不是为了成为音乐家。是陶冶情操，成为完整、有文化的兼容性和宽容性。当你演奏肖邦的作品时，你就会去了解肖邦的时代背景，波兰的民俗……通过学学钢琴是一种素质教育。通过学钢琴，会接触到不同国家的音乐作品和作曲家。能打开国际的视角，具有高尚灵魂的一个人。音乐，开阔了视角，了解了人与人的不同、民族与民族的不同。每一个国家都有独特的文化，都有值得学习的。

关于手型
手型重要只是相对的。除了手型之外，识谱、节奏、乐感，这几个方面都很重要。如果手型不好，其它方面也会存在问题。所以才重要。在初学的时候：读谱、节奏、音准这几个方面都很重要，比手型重要。没有必要一直强调手型。学音乐，这是一个哲学的问题，是价值观、排序的问题。手型当然很重要，但是前提是在其它的方面都很好的情况不是学手型的。要抓住最主要的，要排序。同时抓，很难。

初学阶段，找什么样的老师？
基础好，大楼才能建的好高.基本功需要积累，在初学阶段，要找称职、负责的老师；在专业上，找有突出贡献的、有教学经验的；音乐学院或者高校毕业的老师；教出不错学生的老师。基础好，要信任老师，完全地配合老师，尊重老师的意见。信任，是相互的。正能量，产生正循环。

关于练琴文化课的冲突
文化课与钢琴是互补的，并不是冲突的。要合理地安排时间，有时间的计划表。时间是可以挤出来的，要学会时间管理和提高效率。同样练1万小时，每个人的程度差别也很大。练琴，能促进大脑的发育，提高思维的能力。通过钢琴表演，能提高心理素质，训练临场发挥的能力。多参加比赛，多参加活动，就能从容地面对。

关于艺术的表达
①敦煌壁画“敦煌壁画是活的”。有一种舞蹈叫做“胡腾舞”，它是一种男子独舞，流行于北朝至唐代，当时深得中原贵族赏识，风靡一时。既雄健迅急、刚毅奔放，又柔软潇洒、诙谐有趣。在壁画中画上去的舞蹈动作比较奇怪，中央舞蹈学院的专职舞蹈演员曾来现场破译敦煌之美，想把壁画当中刻画的舞蹈动作展现出来，但是却发现这种动作是人类做不出来的。当时人们不解这个动作既然做不出来，为什么要这样画呢？随着不断深入研究、磨合，终于得知画上的动作是有夸张成分的，人的关节到了一定程度就无法弯曲了。但正是这样，壁画展现出了跳胡腾舞时的一种精神劲儿——浑身绷紧、有迸发力。所以敦煌壁画为了能够在没有视频播放的情况下，展示这种舞蹈及其内涵精神，采用了夸张手法，给予参观者强烈的视觉冲击力，进而让人们感受到这种舞蹈的魅力与精神。因而说“敦煌壁画是活的”。
②音乐中的舞蹈音乐和美术一样，音乐也可以通过自己本身去传递舞蹈的韵律、精神、内涵。比如小步舞（Menuet）的典雅、吉格舞曲（Gigue）的欢快跳跃、西班牙舞曲较为极端的外露性，或活泼绚烂、或阴暗忧伤……我们在演奏时，要注重感受舞蹈本身的含义、舞步特点，这样才能正确演奏出对应的音乐，才能在没有舞蹈的情况下表达、传递出舞蹈之美。

石叔诚论背谱慢
对于年轻人来说，记忆力都不成问题，所谓背谱慢几乎都出在“不会”练琴上。初学一首曲子当然要看谱，可是很多人因此形成惯性，以至于曲子已然弹到滚瓜烂熟，可眼睛还习惯性地盯着谱子。
有一个学生准备了一首巴赫作品来上课，我要求她背谱弹，她回答说“还没背下来”。可我从她演奏之熟练和自如的程度，判断她应该已经背下来了。于是我就将乐谱从谱架上拿开了，结果她还真弹不下去了。于是我将乐谱放回，要求她再从头弹一次，不过要为我闭上眼睛演奏。结果奇迹出现了：从头到尾，一气呵成，并且比看谱时弹得好听多了。为什么呢？原因在于第一次我将乐谱突然拿开后，她本能地将目光落到了键盘上，因为之前几个月，数百遍一直都是下意识地看着乐谱练习的，突然低头见到了“陌生”的键盘与手指，引起了慌乱紧张，以致不知所措。而第二次将眼睛闭上后，似乎又恢复了原来的“看”谱状态（足见她的“看”谱。其实早已毫无意义），再加上本能地将注意力从眼睛转移到了耳朵上，还使得音乐的表现有了进步。
很明显，问题出在练琴上。不少人的意识中有一种“分阶段”的概念，即先把曲子弹好，然后再背谱。这无疑会大大降低练琴的效率，很不科学。要是你总觉得“还没弹好”呢，就永远要看谱吗？这样真不如在“还没弹好”时就已经背下来！因此我建议：在视谱和练习的过程中尽可能早的将视线从乐谱离开（不是将谱子拿开），更多地用耳用脑，在不断追求更高的技术与音乐表现力的同时，也完成背谱。
当然也可以反过来说，即在不看谱的状态下去练习技术和音乐。这不仅能改掉许多人习惯地看着谱一遍又一遍从头至尾“过”的坏习惯，也解除了为背谱而背谱的沉重负担。

🎹钢琴课｜连奏，连奏，连奏
一、连奏的意义
连奏（Legato）又称连音，是一种要求音与音之间互相连接的弹奏方法。在乐谱上，需要连奏的音符一般用连线（一条弧线）或Legato加以标示。
连奏的基本要求有：
1⃣️弹第一个音的手指下键后要站稳，并做好将重量转移到即将弹奏的下一个手指上的准备；
2⃣️手指的下键与放键要在同一个发力点上完成，做到前一个音与后一个音紧密无间、连贯自然，且无重叠之处，声音效果圆润连贯。
二、连奏的教学提示
连奏的本质要求是把音与音连起来弹奏。为此，教学中必须注意以下几个问题。
1⃣️触键与离键
触键要注意发音的质量，让琴弦有充分的振动，使每个音都尽量具有良好的共鸣和延续。为此，应当提醒学生，每个音都要“弹到键底”，并要用低触键的方式弹奏。还要掌握好手指离键的时间，必须在后一个键发音的同时把前一键放掉。不能放早了，早了就会形成空隙；也不能放晚了，放晚了就会造成前后音的重叠。这里特别要提醒学生，加强听觉监督，做到既不间断，又不重叠。
2⃣️“落下”与“提起”
“落下”是“弹下去”的动作，“提起”是手臂提起的放键动作，非连奏和连奏都要做这两个动作。只是非连奏每弹一个音都要做这两个动作，而连奏时只在连线开始的第一个音做“落下”的动作，在连线内的最后一个音（即一个连奏过程完成时）才做“提起”的动作。这也就是说，非连奏是每一个音运用一个自然重量，而连奏是每一串（至少是两个）音运用一个自然重量。在连奏的“落下—提起”的过程中，做好手指的重量转移和弹好连线内的每个音符，乃是连奏成功的关键。
3⃣️重量转移
把重量从一个手指“送”到另一个手指的重量转移，是实现连奏声音连贯、圆滑的关键，也是连奏教学的一个难点。在非连奏时，每个手指都是从上面掉下来的（垂直用力），没有重量转移的问题。但在连奏中，用哪个手指弹，手臂的重量就要立即转移到那个手指上去。这不仅需要手臂的放松，而且还需要手臂通过和手腕的相应配合把重量从一个手指“送”到另一个手指（水平用力），让手指带着手臂的重量去弹奏每一个音。面对重量转移的问题，学生一般都会感到难以掌握，但是不掌握这个技术就不能学会连奏。所以，教师必须坚定不移地对学生进行有针对性和创造性的指导，帮助学生渡过难关。

贝多芬曾多次为他的器乐创作提出诗化的说明草案。在安东・辛德勒所写的贝多芬传记中，一直暗示贝多芬的交响曲和器乐作品创作暗含着诗歌的“奥秘”。最为著名的例子便是莎士比亚的《暴风雨》与d小调钢琴奏鸣曲op.31的关联。贝多芬的作品中还有其他诗歌的展示，例如《悲怆》、《田园》和《英雄》。据舍林考察，贝多芬曾有着将所有的钢琴奏鸣曲在出版时进行暗示的诗歌“说明”的倾向。然而贝多芬也担忧，过于确定的说明会给听众的想象力戴上镣铐，会导致音乐不能被“自然地感受”。毕竟，他希望作自主的音乐家，而不是音乐的插图画家。
通常，对贝多芬音乐的解释都是着力于一些普遍的“理念”（比如英雄的理念，克服苦难的理念，解救民众的理念。人性的理念等等），或者是完全将贝多芬个人的苦难作为他创作的源泉。舍林对这些流行的观念并不认同。他认为贝多芬既不是“个人情感的傀儡”，也不只是描述自己的个人主义者，他很大程度上是从伟大的古典诗歌和戏剧中获取了创作音乐的灵感，并以纯器乐的形式表现出来。舍林认为，贝多芬会对他所喜爱的诗歌进行排序，从而为他的器乐作品所用。

介绍一下Solfege：“音级、音名、唱名”相互结合练习法。
音级：音阶中每个音按照音高从低到高排列所划分的级数，比如说：C大调音阶C D E F G A B C，那么Ⅰ级就指C、Ⅱ级对应D、Ⅲ级对应E、Ⅳ级对应F、Ⅴ级对应G、Ⅵ级对应A和弦、Ⅶ级对应B。
A小调（Aeolian）音阶 A B C D E F G A ，对应级数：Ⅰ级A、Ⅱ级B、降Ⅲ级C、Ⅳ级D、Ⅴ级E、降Ⅵ级F、降Ⅶ级G。
看到这里相信你已经清楚音级的概念，完成了第一步，那么咱们看看第二个概念——音名，音名相对于唱名比较固定，指板上每个位置都有自己的音名。音名很好理解其实就是每个音的名字。比如吉他5弦三品是C，你怎么弹它也不会变成D（当然在有些情况下可以读作升B等等，这里先不做解释）
再比如F小调音阶，音级是：Ⅰ级、Ⅱ级、降Ⅲ级、Ⅳ级、Ⅴ级、降Ⅵ级、降Ⅶ级。音名是FGAbBbCDbEb, 。这样你能很清楚的知道F小调的降三级是Ab 、四级是Bb等等。
恭喜你学到这里你已经完成了前两步，那么咱们来看最后一个部分——唱名，Solfege提供一个很强大的唱名法——十二个音的唱名法，完美的解决了升fa、降la等音符的唱法。

学琴进步比别人慢的原因
经常听到有学生家长问：“我家孩子学琴好几年了，进步非常慢，是不是没有学琴天赋？”
对于这个问题，我想说的是天赋高对于学琴是件好事，但是它并不能成为你学琴进步快慢的主要原因。很多看起来没有“天赋”的孩子，往往最后的进步却是比那些有“天赋”的孩子要快。
在我看来，孩子学琴没有效率的原因大多都是学琴方式不对，即使再有天赋的一个人，如果长期学琴方式不对，是不会有什么实质性的进步。
下面，就跟大家说说想要提高孩子的钢琴水平要注意哪些问题。

演奏古典时期钢琴音乐作品的技巧训练：触键
触键,即奏法,在钢琴演奏中基本可分为连奏(Legato)、非连奏(non legato)、断奏(Staccato)和半跳音(Portato)四个基本类型。演奏古典作品时,奏法必须明确。
连奏我们需要注意的要点是:1、手指务必绝对地贴键。连奏应强调乐句感,不能高抬指形成下键时手指和琴键的空隙;2、手指在不得不离开琴键时才能离开,即每个音要保持足够的时值(tenuto),在演奏同音连奏段落时,这一点尤为重要。这个时候就更多地依靠手腕的带动;3、音与音之间要有重合的结点。就是说,两个音之间,等第二个音下去之后,第一个音才能慢慢离键,音头与音尾之间要有一点点的重合。
非连奏主要应用在快速跑动的段落。在这种段落中,手指可以不像连奏那样严格地贴键,但也绝非是断奏,要注意手指第三关节的快起快落,即手指技巧的干净、准确。
断奏,即跳音,在古典时期,跳音不能弹得太短,应占到所演奏音符时值的一半。钢琴学生常常一见到跳音,就把它弹得很短促,很尖锐,这是一个很大的误区。应当要求学生,在弹奏跳音时,手指实际上已经触键,我们要通过手指第一关节的主动,把这个音“抓”起来。这样,既做到了有准备地触键,也保证了演奏声音的质量,体现了演奏者对键盘的控制力。
半跳音,它的表现形式是一条连线下的几个音上又有跳点。半跳音其实不是跳音,它更接近于连奏,在每个音符保持相对较长时值的前提下,通过手腕的带动,让这些音藕断丝连地连接在一起。半跳音主要运用在慢速歌唱性段落或慢板乐章中。